中屋敷智生 薬師川千晴 二人展「制限と超越 二元性、その現象学と形而上学」2020.12.5～12.20 於 Space31（神戸）

 

【タイトル】制限と超越　二元性、その現象学と形而上学

【作家】中屋敷智生　薬師川千晴

【キュレーター】京谷裕彰

【会期】2020年12月5日（土）～12月20日（日）　13：00～19：00（最終日は18：00まで）12月9日（水）、15日（水）休廊

【会場】Space31
〒658-0054　神戸市東灘区御影中町1-8-3　メゾンユイト3F
TEL:080-1455-5906

【アクセス】阪神本線「御影」駅より徒歩3分／JR神戸線「住吉」駅南出口より徒歩10分

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　相対立するもの、二律背反するもの、両極に引き裂かれてあるもの、せめぎあうもの、差異は微妙でありながら相容れないもの、併存しながらも異質なもの、露わなるものと密かなるもの、真なるものと非真なるもの･･･。それらの存在に面前する、とはいかなることか？　意識や意志、あるいは創造性が二つの異なる要素ともろともに対峙する、あるいは回避する、そんな現象について感性や思考をめぐらせる。
　論理を内在的に表象する中屋敷智生さん、物理的に明示する薬師川千晴さん、二人の絵画が並び立つことによってしか開示されえないものへと意識を差し向けてみよう。その彼方には何があるのか？　

　京谷裕彰

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・ご来廊の際は、マスクの着用をお願いいたします。
・体調が優れない方、発熱症状のある方はご来廊をお控えください。
・混雑が予想される際、入場制限を行う場合があります。

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キュレーター・ステイトメント

・相対立するもの、二律背反するもの、両極に引き裂かれるもの、せめぎあうもの、差異は微妙でありながら相容れないもの、併存しながらも異質なものへ。意識や意志、創造性が二つの異なる要素ともろともに対峙することでしか志向できない領域について、あるいはまた、かかる存在や現象に面前するも回避せざるを得ない精神について、感性や思考をめぐらせる。

・二つの異なる要素とは、たとえば自と他、表と裏、奇数と偶数、右と左、上と下、前と後、光と影、プラスとマイナス、直線と曲線、など具体性をもった対として現象する場合もあれば、見えるものと見えないもの、有と無、真なるものと非真なるもの、などまったき抽象性の中でしか意識に上らないものもある。
　それら二つの異なる要素、その現象への面前を通じて、ある〈高み〉へと飛翔すること、〈彼方〉へと超えゆくことを、実存哲学を参照し、ひとまずは〈超越〉と呼ぶことにする。
　〈高み〉とは〈低み〉である場合もあろうし、〈低み〉こそが〈高み〉である場合もあろうし、〈彼方〉とは〈此方〉や〈後方〉にあるかもしれない。いずれにせよ一義的なものではない。

・制作の「制」という漢語には「つくる」の意があるが、「さだめる」「おさめる」の意もあり、その場合、制作行為は「作」を「制する」こととして何かを生み出すための〈制限〉を表徴する。〈制限〉がなければ形あるものを生み出すことができない芸術にあっては、〈制限〉こそが〈超越〉のための条件となる。
　一方で〈超越〉を回避したり留保したりすることもまた、〈制限〉であるに違いない。

・論理を内在的に表象する中屋敷智生さん、物理的に明示する薬師川千晴さん、二人が並び立つことによってしか開示されえないものへと意識を差し向けてみる。

・ここに〈美学〉や〈政治〉をめぐる現下の様々な情況を超えてゆく、希望と言い得るなにかを賭けられないだろうか。
　二人の作家それぞれの営為を通じ、私たちにとっての〈超越すること（自己超克）〉に、なにかしらの糧が得られればと考えている。

「超現実と実存」（グループ展「私、他者、世界、生 ―現実を超える現実」キュレーターステイトメント）

　〈私〉や〈他者〉を通じて〈世界〉を、あるいは〈世界〉から〈私〉や〈他者〉を知覚したり認識したりすることを通じて、人や人になぞらえられた影像を絵画に描出する行為は古今東西、広く行われていることであり、このような行為は無意識の領域に深く根ざしている。それだけに、感覚だけで了解できることもあれば、描画という行為や絵画における現象を読み解く行為を経なければ意味が浮かび上がらないこともある。
　本企画のタイトルは「私、他者、世界、生――現実を超える現実――」であるが、一人称〈私〉に続く言葉が人称を特定しない〈他者〉であるのは、自我を客観視する〈自己〉であるよりも前に、主体としての〈私〉であることが先立つのに対し、〈他者〉とは〈あなた〉であっても〈彼（女）〉であっても、〈誰〉であっても、〈私〉からは隔たった存在であることによる。ここに何を代入しようと自由なのだ。あるいは、偶然や必然がここに何かを代入する。それならば、〈他者〉とは人形や置物であってもいいどころか、人間や生物の影像である必要すらないかもしれない。

　ところで、日本語ではシュルレアリスム surréalisme（仏語）から派生した「シュール」という言葉が、非現実な、いわくいいがたいものを表す俗語として定着しているが、俗語化したことによってその潜勢力がスポイルされてしまった感がある。しかし一方でその軽さは、〈かろやかさ〉としてもあり、〈遊び〉心に浸透するものや刺激するものを指す言葉として感性になじみやすいものでもあった。それゆえ、ときに私たちの「軽薄さ」にもフォーカスされざるをえない。
　そのような俗語的なニュアンスとは違い、本来、シュルレアリスムとは非現実ではなく現実を超える現実、つまり〈強度の現実〉を志向する芸術思潮であるとされる。これはどういうことか。
　ここでは、身の周りに広がる、あるいは目の前の、いわゆる「現実」を超えてある、画面の中の現実のことをひとまず〈絵画における強度の現実〉とよぶことにしよう。
　そして〈絵画における強度の現実〉はどこまでも〈私〉と〈他者〉、あるいは〈私〉と〈世界〉との関わりのなかにあるため、〈実存〉をめぐる哲学の圏域と否応なく接している。〈実存〉とは事物存在とは異なり、本質に先立つ真実にして現実なる人間存在の独特のあり方、と一般には解説されているが、潜在意識の内奥の、その暗がりにあって人間の判断や行動をつかさどるもの、とするヤスパースやメルロ＝ポンティの〈実存〉概念をとりわけ私は想定している。
　ところが、シュルレアリスムを〈実存〉という問題系において思考する議論はほとんど見受けられない。フランス現代思想において「実存主義」の立場からサルトルがブルトンを批判したことの残響を引きずっていることや、美術史が20世紀の出来事として整理していることにもよるだろうが、それよりも何よりも、シュルレアリスムを扱うとき、人はえてして客体として扱える距離を置くという態度を取りがちになる。なぜなら、実存に反照することへの恐れが、それを実存の問題として容易には扱えなくしてしまうという心理に起因するからだ。作品を鑑賞したり作品について語ったりする〈私たち〉が、他人事ではないと感じたり、無意識に跳ね返るものを感知して竦んでしまった経験は多かれ少なかれ誰にでもあるだろう。
　だが、五感で感受するインスタレーションとは違い、作品と観者との間に適切な〈心的距離〉を確保しやすいことが絵画の特質であるという点は、シュルレアリスム絵画とて同じである。ただ、シュルレアリスム絵画には境界をゆさぶる力が顕著なため、関心を誘発しながらも最終的には接触させない（できない）距離を置くのがよい、とされるセオリー★をも、しばしばゆさぶってしまうのだ。しかし、それでもなお〈遊び〉や〈かろやかさ〉はシュルレアリスムの大きな魅力であり、押しつけがましさ、僭越さとは逆の方を向いている。
　だとすると、ここには絵画の本質に迫る重大な何かが潜んでいるのではないか。これをキュレーターからの問題提起として受け取っていただきたい。

　ともかく、見た目がそれっぽい、といったビジュアルがシュルレアリスムを条件付けているのでないことは、明言しておきたい。また、動きあるものを固定する箍をつねにすり抜けるため、定義付けにもなじまない。ゆえあって定義がなされるとしても、それはいつも仮のものにとどまらざるをえない。シュルレアリスムとは、その人のなかではいつでも始まり、いつでも終わり、そしていつでも何度でも再開するものである。参照項としても生き方の哲学としても。

　今回ここに集う女性作家たちは、シュルレアリスム（的）か否か、という自覚の有無にかかわらず、みな〈絵画における強度の現実〉を制作において実践している。曖昧なままに厳格な、何かを描いているのだ。
　ゆえに、作品が「シュルレアリスムか」「シュルレアリスムでないか」といったことは大した問題ではないばかりか、主眼はそこにはない。
　それぞれの作家の営為を通じて、〈絵画における強度の現実〉、そして〈実存〉について考え、すでにあるものとは異なる視点から世界を再考し、異なる視点へと私たちの問題意識の領野を広げる機会としたい。
　この展覧会の主眼はそこに（だけ）ある。

                                          　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　キュレーター　京谷裕彰

★cf.谷川渥「美的距離の現象学」（『美学の逆説』所収，2003年，ちくま学芸文庫）

◆「私、他者、世界、生 ―現実を超える現実」　コンテンポラリーアートギャラリーZone　

2016.12.10～12.27

出展作家：OKA 川崎瞳 松平莉奈 松元悠 百合野美沙子　

竹村正人監督『ダダッ子貫ちゃん』上映会＆竹熊健太郎さんとのトーク 2012.11.10 京都精華大学

 日本画のデッサン用に飼育されているクジャク。愛用のカメラにはフォーカスリングがついていないので、金網にピントがあってしまう。

 情報館１Fメディアセンターホールにて上映。

 『QUICK JAPAN』6号（1996年6月）

 グラビアで「ヘンな芸術」が特集された『週間少年サンデー』1971年3月21日号。

竹熊 「小学五年生のとき『少年サンデー』の特集を見て、赤塚不二夫のギャグマンガに出てくるようなキャラクターが実在するんだという衝撃が走った。」
「赤瀬川原平さんにダダカンさんのことで取材を申し込んだら『あの人はほんまもんだよ』と云われた。」

 京谷「ダダカンさんがもしも2000年前に生きていたら、間違いなく聖人として歴史に名を残したことでしょう。」
竹熊「シャカやキリストというのは、ダダカンさんみたいな雰囲気の人だったんじゃないか。」

 キャンパス内のグラフィティ

http://johokan.kyoto-seika.ac.jp/modules/contents/index.php?content_id=508

大金魚博覧会2012 於、旧川本邸 （大和郡山・旧市街）

1922年（大正11）に建てられた遊廓建築で開催中の金魚と金魚アートの展覧会。

玄関脇には、藤本絢子さんの「泡沫」。

ガラスの吊り金魚（オカモトヨシコさん）。

千崎輝幸さんの石ピン。

金魚ねぶた。

2階、髪結場には西嶋みゆきさん「泡沫の目合い（みつぼのまぐわい）」。

西嶋みゆきさん「ともかがみ」。

2階、客室。

PECHUさんのペン画。

西嶋みゆきさん「はながたみ」。

往時の大和郡山金魚養殖業を語る写真。

藤本絢子さん「深海」（3階への大階段）。

3階への南側小階段におかれた西嶋みゆきさん「日蝕」（上）、「おもかげ」（下）。

「日蝕」。

藤本絢子さん「Discommunication」（１階広間）。

藤本絢子さん「Fluid Leakage」。

◆大金魚博覧会2012　8/17～26　

第6回「評論を書くことを考えてみる会」2012.7.28 於、画廊編＆ぎゃらりかのこ （大阪・日本橋）

大阪・日本橋のギャラリー「編＆かのこ」が大阪大学美学研究室と提携して昨年から継続的に取り組んでいる「評論を書くことを考えてみる会」の第６回目が行われた。

美学研究室の学生や卒業生が、ギャラリーで開催中の展覧会の批評文を書き、それを批評された作家も交えて参加者全員で論じ合うという会である。司会は教授の上倉庸敬（かみくらつねゆき）さん。

これは街のギャラリーで開かれる現代美術の展覧会を同時代的に批評することを通じて、制作・展示と鑑賞という行為の関係や批評言語の可能性と不可能性といった問題を深く考える、言葉のワークショップのようなものと考えていい。

参加者の顔ぶれは美術作家、その友人、ファン、ギャラリスト、編集者、コレクター、現代美術以外の表現者など毎回多彩で、今回は芥川賞作家の吉村萬壱さんの姿もあった。

昨年、この会が始まった頃は趣旨が今ひとつ理解されなかったり、書き手も不慣れであったりしたためいろいろと混乱もあったが、６回目となる今回は丁寧に作家や作品と向き合った文章が集まり、そこから闊達な意見の交換が生まれる充実したつどいになった。

和紙と針金で造形された福田十糸子さんの立体作品。 評者は國本理恵子さんと米田千佐子さん。

「私たちはまず、人形があるということを認識し、つぎに人形の身体を視線によってなぞり、そして人形が表現せんとするするところに思いを巡らせる。このやり方は、私たちが普段社会生活を営むにおいて、相対する人間の表情や仕草から気持ちを読みとろうとする、いわゆるコミュニケーションといわれるものと全く同じプロセスである。」（國本理恵子）

「立体にいつしか親近感を持っている。まるで私たちがすれ違う誰かのように。気付かぬうちに縁を結んでいる誰かのように、彼らに接し出す。彼らは意味の分からぬ形と「誰か」としての私たちの中を行き来する。」（米田千佐子）

廃墟の壁のひび割れやガードレールのひび割れた塗膜をデジタル撮影したものをカラー印画紙に焼き付け、表面を削った松原正武さんの"彫刻写真"。評者は矢野綾さん、鶴田悦子さん、小田昇平さん。

「廃墟の一部を写真のフレームで切り取られ、ひび割れパターンの変化や、彫刻部分と非彫刻部分の間に生まれたエネルギーの高低が、乾いた溝を水が伝わっていくように、画面上で線がのび、互いに絡み合い、空間が網羅されていく、その直前のような静かな勢いを作りだしている。」（矢野綾）

「一度は真っ平らになったひび割れが、もう一度デコボコのあるひび割れに戻されてゆく。それはまるで、写真に切り取られて時間を止めたはずの壁やガードレールが、再び朽ちはじめるかのようである。」（鶴田悦子）

「眼に捉えられないものを捉えるキャメラでさえ捉えられないもの、それを追い求めるために作家は、違う世界から制御できない力を借りてくる。印画紙をサンドペーパーで削ることで、モノクロの世界に色をもたらす。デジタルにアナログをもたらすことで、意識に無意識を混入させる。それをさらに取り込んで、再び印画紙に焼き付ける。これまでの過程をもすべて取り込んで、再び写真が立ち現れる。作家の実験は、ピントが合わない境界を捉えようとする。捉えんとして写真を、がりがり、がりがり、掘り進む。」（小田昇平）

◆GALLERY　Ami-Kanoko

福田十糸子展　「夏百歩」　7/16～7/28
松原正武展 　「時の刻印　〔彫刻写真〕」7/16～7/28

作家の松原正武さん（左）と上倉庸敬さん（右）。参加者一人ひとりとハートフルに交わる上倉さんの司会が美事であった。

neutron night vol.2 「宣戦布告」 於、UrBANGUILD（京都・三条木屋町）2012.4.13

オープニング。仕掛け人の石橋圭吾さん（アートギャラリーneutron代表）によって画家の冬耳（ふゆじ）さんとザッハトルテのチェリスト、ヨース毛（よーすけ）さんが紹介される。舞台後ろの壁に用意された冬耳さんの絵はこの後様相が一変することに。

照明が落ちると紫外線ランプによって蛍光色の線が浮かび上がり、青く光る少年と暗く佇む少女の首とが赤い線で結ばれる。

少女の顔からは唐草様の蔓、そして体幹を徹った根。矩形に広がるオレンジの線・・・。

ゆらめきふるえるチェロの旋律が、移ろいつつ視覚化される絵との間に物語を差し渡す。

そして、二人の間に果実が生る・・・

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谷口和正さんによるインスタレーションと長谷川健一さんのアコースティックライブ。

溶断した鉄板で製した文字列を円形に曲げ、それらを溶接により球状に組み上げ、表面を研磨したり錆びさせるなどして仕上げた谷口さんのオブジェ。球状に凝集した言の葉が、内部から発せられる光によって歌声の響く空間に投影される。

それは、内なる光によって言葉を、思想を、作品を、あるいは未だ形ならざる何ものかを世界へと解き放つ人間存在の隠喩なのだろうか。光を発する者と、発せられた光を浴びる者、受ける者、それらの間にしか存在しない大切なものがある。

モノ、人、世界、地球、惑星、宇宙・・・、ミクロからマクロまでさまざまな位相に広がる想像力を受け容れてくれるインスタレーションである。

創造的感性ゆたかな人たちでいっぱいの室内には、静けくありながらも熱いアウラがみちていた。

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シンポジウム 「3.11後の世界で表現すること」　

～SNSとローカリズムとJAPANOLOGYの地平に～

左から、石橋圭吾（nuetoron代表）、大槻香奈（美術作家・イラストレーター）、金理有（陶芸作家）、酒井龍一（美術作家）、海野貴彦（画家・「生きてる実感」主宰）、任田進一（美術作家）、小吹隆文（美術ライター）、の諸氏。

3.11以降の作家としての主体のゆらぎ、どの街で、どんな部屋で制作するかという制作と場所をめぐる葛藤、ケイタイ・ネット・ＳＮＳの普及によるメディア空間の変容と知覚の変容、グローバルとローカル、メディアリテラシーなど、多岐に渡って展開していく議論を石橋さんが見事にコーディネイト。

打ち合わせなしのぶっつけ本番ながら、カオスに流れることもなく、フロアとの距離感はほどよかった。パネリストの皆さんは創造的で礼儀正しく心優しい人たちばかりなのだろう、愛のある交わりには心を打たれるものがあった。

ギャラリスト、作家、ライターというそれぞれの立場の違いによって際立つものを読むということが、こういったイベントの楽しみであるが、立場と個性をめぐってとりわけ対照的だったのは石橋さんと金さんと小吹さんである。

石橋さんは日本の資産家層に根強くはびこる文化の貧困、顕示的消費、資産運用といった問題への透徹した批判から、美術市場の変革に取り組んでいる。ここで注意が必要なのは美術市場の変革というのは、あくまで手段であってそれ自体が目標ではないということ。石橋さんが見据えているものはずっと遠く、そういった現前しているものの彼方にあるのだろう。

しかしギャラリストである立場上、ご本人の意図を超越したところで市場原理主義という原理主義を核とする新自由主義（ネオリベラリズム→以下「ネオリベ」）に回収されるリスクを背負っている。だが、そのようなリスクなど厭うことなく文化と芸術の復権に賭けている。存在を賭けているのだ。その果敢さ、意志の強さはそのまま石橋さんの個性を基礎づけているように思えた。

その一方、陶芸作家の金理有さんは議論の中で「新自由主義」という言葉を口にしていることからわかるように、ネオリベに対する批判的視座を自覚的に持っている。だがやはり造形作家である。言葉も口にはするが、それよりも何よりも、見る者の実存の闇を射貫く鋭い一つ眼で知られる作品によってその立場を表明しているのだ。ナショナリズムやリージョナリズム、あるいはアイデンティティをめぐる上からの安直な表象には決して還元されえないということを、金さんが作った作品そのものが物語っている。それは、表象のレベルで他者から主体化を強要されるという、現代社会で広く見られる抑圧をはねのける潜在的な力を宿しているようだ。それを基礎づけているのは、金さんの作家としての存在論的強度であろう。(下の写真は「陶芸の提案2011」にて撮影)

もう一人、小吹隆文さんは美術ライターとして関西一円、津々浦々、どんな無名の作家の展示であろうと差別無く足を運び、長年にわたって作家たちの仕事を紹介してきた草の根のライターである。まさに草の根という言葉がぴったり。その仕事は多くの作家やギャラリストから絶大な信頼を得ており、それゆえの存在論的な説得力がある。

ただ批評行為という言説のレベルで小吹さんをみると、実に控えめな印象を受けるが、それはご自身の立場と個性に基づいて選ばれた態度なのだろう。

今回のイベントでひとつだけ物足りなかったのは、相手の立場性を揺るがすほど寸鉄の利いた言葉を投げかけ、それに対して己の実存を賭けて反論する、といったスリリングな場面がなかったこと。

無い物ねだりかもしれないが、もう一人二人暴れん坊がいてくれたらさらに面白かったろうに、と思ってしまうのはしょうがない。

電車の時間が気になり、終了少し前に帰らねばならなかったので質疑応答や打ち上げに参加できなかったのは残念至極。